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“Uno llega a ser grande por lo que lee y no por lo que escribe”

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Abbey Road Studios, en venta

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Las noticias del final parecen asegurar que solo por amor nadie graba discos, o al menos EMI, que aparentemente puso en venta los míticos estudios londinenses que le pertenecen desde 1929, cuando compró la casa de estilo georgiano del residencial barrio de St. John’s Wood, para transformarla en los estudios más sofisticados del planeta.

A raíz de la mala noticia varios grupos de personas se están organizando para pedirle a la “National Trust”, organismo encargado del patrimonio británico, para que se haga cargo de la compra de los estudios y le den un uso adecuado a su historia. También se escuchó a Sir Paul McCartney “consternado” por la decisión de EMI y dispuesto a promover cualquier medida que “salve” el futuro de los estudios.

Es que para transformarlo en un museo solo alcanza mencionar que los Beatles realizaron el 90% de sus grabaciones, “Pink Floyd” grabó “The dark side of the moon” y Radiohead “The Bends”. Y por si esto fuera poco también dejaron su impronta los ”Rolling Stones”, “Iron Maiden”, “Alan Parsons Project” y una larga lista de estrellas del rock.

En comparación, si con tan poco los cristianos erigieron el Vaticano en Roma como sede de su fe, es evidente que con la certeza del poder unificador de Abbey Road, lo menos que se merecen es ser declarados patrimonio de la humanidad por la Unesco, y lugar de peregrinación rockera, al menos una vez en la vida.

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“Get Back” en vivo desde el estudio 2 de Abbey Road

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El sitio oficial de Abbey Road Studios.

El cruce peatonal que hicieron famoso los Beatles (camara en vivo.)

Página del National Trust, donde se puede votar por la salvación de “Abbey Road”

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Written by Gustavo Galatto

18 febrero, 2010 at 8:23 PM

Publicado en Actualidad, Música

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What a wonderful world…

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“Satchmo” (boca de bolsa)

Louis “Satchmo” Armstrong nació a principios de siglo pasado en los suburbios de la ciudad norteamericana de Nueva Orleans y sus señas particulares fueron ser negro, pobre y feo. También discutió amargamente con el reformatorio, la obesidad y un sudor clamoroso que lo acompaño toda su vida, pero a pesar de lo adverso del panorama pudo abrirse camino en la música, un oficio en el cual no tenía antecedentes familiares.

Luego de un inicio fulgurante y una carrera soñada, hoy en día es una leyenda del jazz que deslumbró primero como trompetista, y luego como vocalista en los mejores años de su trayectoria. Su influencia en la música es enorme y su merito mas grande, quizás, sea el haber alcanzado la belleza por el camino de la fealdad. El éxito más festejado de Satchmo es “What a wonderful world” un tema hecho a su medida: cursi, directo y optimista.

Y es por esta transparencia e ingenuidad que, usadas en contraposición, sirven para resaltar las miserias del ser humano como lo demuestran algunos fragmentos de películas que utilizan la cancion sobre imágenes de guerra. Pero a pesar de la eficacia de estas manipulaciones el éxito del tema se basa en lo que en realidad es, el deslumbramiento de una persona que se sienta a contemplar los pequeños detalles de la vida, y descubre lo grandioso de existir, confirmando una obviedad que avergüenza incluso al pensarla: What a wonderful world!

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Lista de reproducción en Spotify.

Fragmento de Good morning Vietnam.

Frafmento de Bowling for Columbine.

Written by Gustavo Galatto

11 febrero, 2010 at 8:40 PM

Publicado en Música

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Rock Robot

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rock robot

Escucha el podcast

Aún recuerdo aquel mediodía de 1983 volviendo del colegio con mi amigo Pluchi, cuando el muy guacho se llevo los dedos a la nariz y con una voz algo gangosa empezó a cantar un estribillo repetitivo y contagioso: “somos mojigatos, hijos de Galatto; somos mojigatos, hijos de Galatto” y así se repetía hasta el infinito, que estaba bien delimitado por un trompazo tirado al bulto.

No es que tuviera la mano fácil ni que me molestara la burla, de hecho me gustaba la música y en la soledad de mi cuarto la entonaba fascinado por  aquella voz robótica que me transportaba a tiempos futuros.  Muchos años después y todavía con el sonido girando en la cabeza descubrí que era una versión libre de: “Domo Arigato, Mr. Roboto, Domo Arigato, Mr. Roboto”, estribillo pegajoso del tema “Mr. Roboto” de Styx.

Éramos niños y si bien la revolución de los sintetizadores había sido la década pasada, recién entonces se masificaba y nosotros empezábamos a escuchar los discos viejos de los hermanos mayores y a hacer una tímida revisión musical de los 70. Fue así como Pluchi plantó la semilla y sin querer me hizo conocer el Vocoder.

De qué va la cosa

A grandes rasgos es un instrumento que genera un efecto para modificar la voz humana y transformarla en “robótica”, aunque cualquier sonido puede filtrarse a través de él. En un principio fue un aparato con llaves relojes y botones, luego tomó forma de teclado y actualmente la tendencia es crear plug-ins para software de edición de sonido, porque son versátiles y mucho más baratos.

Nació en 1928 en el marco de las investigaciones para codificar la voz en las conversaciones telefónicas que fueron desarrolladas por Homer Dudley, ingeniero de la Bell Telephone. La idea era analizar la voz, descomponerla y resintetizarla en una señal que necesitara un menor ancho de banda para su transmisión y como la mayoría de los avances científicos del siglo pasado, tuvo implicancias militares.

Luego pasaron algunas décadas sin novedades y en el camino quedaron varios artilugios que lograron el mismo efecto futurista como el Talk Box y el Sonovox, pero que no se desarrollaron masivamente por ser incómodos y haber llegado a destiempo de la revolución tecnológica musical.

En 1970 los pioneros de la música electrónica Wendy Carlos y Robert Moog desarrollaron uno de los primeros vocoders verdaderamente musicales. Un dispositivo inspirado en los antiguos diseños de Homer Dudley que recibió el nombre de codificador/decodificador de espectro, y más tarde simplemente como vocoder.

A partir de aquí se populariza y empieza su carrera en radio, cine y televisión, aunque destaca en la música donde es utilizado por artistas de diversos estilos. De a poco se advierte que la esencia del vocoder es darle habla al frenético avance del siglo 20, una voz de máquina que trabaja, piensa y flirtea temerosamente con volverse humana.

En enero de 1976 se estandarizó con la fabricación del EMS de Tim Orr y en noviembre ya había 9 máquinas funcionando entre las que se incluían las pedidas por Kraftwerk y Stevie Wonder. A partir de la producción serial, su fama se multiplicó y se hizo carne en la música sinfónica, que era puro alarde de tecnología y tecnicismo.

La voz del siglo 20

El vocoder le puso una voz distintiva a la música en pleno auge de los robots de cocina, los viajes a la luna y la expansión del género humano. El efecto representa la modernidad, el cambio y el futuro,  pero en su análisis también nos transmite inquietudes y dilemas relacionados con el progreso desmedido.

Con el despliegue científico del siglo pasado, el hombre pudo desligarse de tareas peligrosas y repetitivas a través de brazos mecánicos que lo imitaban y suplían con mejores resultados, pero también dio rienda suelta a la vieja ilusión de crear vida a su imagen y semejanza. El estilo Dr. Frankestein estaba en desuso, entonces la robótica delineó su rama más inútil, grotesca y fascinante, la de los robots con forma humana.

Se los distinguió por ser plateados, andar torpemente y no servir para nada. Sin lugar a dudas la mejor voz para este humanoide era la del vocoder, porque borra del registro algunos armónicos encargados de transmitir emociones, deshumanizando el habla con un sonido metálico y confuso, pero que para al robot es lo indicado.

Fue de esta forma como junto a su voz el androide al fin se sintió completo y empezó a fascinar a la especie humana, al tiempo que le hizo reflexionar acerca de sus conquistas y de la posibilidad de que la ciencia se le fuera de las manos. Así quedó reflejado en la literatura, el cine y la música.

Usos y abusos

Desde 1950 el tratado de moral robótica “Yo Robot” de Isaac Asimov esperaba que alguien le pusiera música, y fue en 1977 cuando The Alan Parsons Project se dedicó a versionarlo en un disco que sienta las bases de cómo se utiliza la tecnología para dar valor a un concepto. Ciencia ficción de la buena en formato libro + CD, por separado.
En cine se usó para la banda sonora de “La naranja mecánica”, dirigida por Stanley Kubrick, donde el vocoder “canta” la Novena Sinfonía de Beethoven. También recreó las voces de los Cyclons en la primera serie de “Battlestar Galáctica”.

En la música influenció diversos estilos y bandas, como Kleeer que se regodeaba en su funk bailable mientras los alemanes de Kraftwerk parecían atormentados por el devenir tecnológico. El efecto vocoder se adaptaba bien a la pista de baile y también a la mirada introspectiva que se proponía desde varios lugares en el rock sinfónico. El uso y abuso vino después y se hizo escuela con el “efecto Cher” logrado en la canción “Believe”.

La lista de buenas canciones en las que dejó su huella es interminable, pero entre ellas se destaca Rockit (Herbie Hancock), Around the world (Daft Punk), I can make you dance (Zapp) y The Voice (The Alan Parsons Project). Para quienes gusten escuchar hay dos listas de reproducción que recrean el artículo, una en You Tube y otra en Spotify.

También se puede hacer una lista con artistas actuales como T-Pain o Kanye West que utilizan un software de sonido llamado Auto-Tune, un corrector de audio que sirve para afinar voces en vivo por lo que es muy utilizado, y que en una configuración extrema genera un sonido de apariencia robótica como el vocoder, pero sin su sorpresa y significado.

Por eso hay que admitir que para representar a la vanguardia el vocoder se ha quedado viejo y costoso a pesar de la vigencia, y ya no se lo usa con carácter experimental por lo que de a poco va perdiendo su sentido. Actualmente empieza a darle textura un tanto grasa u hortera a todo lo que toca, aunque la avanzada va por un camino no muy lejano a su existir.

La vanguardia es así

The trons

Lo cierto es que luego de tener voz las maquinas ahora van por el voto, y de tanto recrearlas en actitudes humanas el tema se está poniendo denso. Hay bandas como The Trons y The Three Sirens que están formadas íntegramente por robots, y suenan muy profesionales a pesar de ser un poco rígidos en el escenario. Y como si esto fuera poco también hay algunos como Shimba Marimba que se dedican a improvisar jazz.

Esto es una pésima noticia en la época de reestructuración laboral que atraviesan los músicos, que día a día ven reducidos sus ingresos. Esta avanzada futurista amenaza incluso con dejarlos sin trabajo, ya que a nadie le parecería mal que en una próxima remake de Casablanca, el Humphrey Bogart de turno se acerque al piano y corrigiendo un error histórico, ordene: Tócala de nuevo, C3PO…

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La historia del vocoder

AnalogX Vocoder gratis

Efectos robóticos (ingles)

Lista de reproducción en You Tube

Lista de reproducción en Spotify

Written by Gustavo Galatto

11 septiembre, 2009 at 12:10 PM

Publicado en Podcasts

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Tango que Mimma

Cuatrocientos instrumentos musicales representativos de todas las épocas y regiones del planeta hay expuestos en el Museo Interactivo de la Música de Málaga (MIMMA) que está construido entre los muros de la antigua fortaleza que protegía la ciudad de los extranjeros de turno, porque si bien los primeros en poner un ladrillo fueron los fenicios, la han ocupado griegos, visigodos, árabes y cristianos.

Pero a pesar de lo añoso de sus piezas y de su entorno, sorprende que algo de apenas el siglo pasado sea lo más anticuado, ya que la sección de sonido y música grabada huele a prehistoria.

Será por razones de furiosa actualidad relacionadas a la desaparición de los formatos físicos para la música, que al ver los primeros artilugios usados para poder grabarla y reproducirla tenemos la sensación de estar mirando un dinosaurio a la cara. Objetos impensables como el fonógrafo de Edison, dictáfonos, gramófonos y aun más antiguas son las cajas musicales con discos de cartón, pero estas pertenecen al mundo de la música mecánica.

En el fonógrafo la voz humana hace vibrar un diafragma que a su vez mueve una púa que deja marcas en un tubo recubierto de aluminio, cuando la maquina vuelve al punto de inicio, las marcas hacen vibrar de nuevo el diafragma que reproduce el sonido original. El dispositivo es una maravilla por su simplicidad y fue el punto de partida de un sistema que a lo largo del siglo pasado se perfeccionó hasta llegar al Blu-ray, del que se duda la popularidad y quizá sea el último de su especie.

Pero los instrumentos son la joya del museo y gozan de excelente salud, entre ellos destacan algunos muy exóticos como un xilófono de huesos humanos, o aquellos con los cuales uno puede y hasta le obligan a interactuar, como en la sala de percusión que en día de visitas escolares se transforma en una gran improvisación. Estas batucadas cuentan con un invitado de lujo, el Gong chino, un disco de bronce irresistible de machacar que nos teletransporta a un bosque de la china… repleto de karatecas!

También hay sectores con pantallas táctiles muy informativas y algo aburridas para la deseada interactividad, pero los instrumentos y cuestiones palpables son mayoría, como un piano de pared en el cual se aprecia el funcionamiento de sus piezas, violines, sintetizadores y un largo etcétera que nos acerca a la sala de eventos especiales, en donde la interacción se hace con los músicos.

Tangoria

En esta ocasión hubo un concierto de un trío malagueño de tango moderno que se dedica a versionar música de Astor Piazzolla. Su nombre es Tangoria y entre sus integrantes hay un argentino, Nicolás Leguizamón (guitarra) y dos españoles, Juan Baca (contrabajo) y Ramón Veredas (piano) ambos malagueños.

Valga la aclaración del origen andaluz de sus integrantes por tratarse de una tierra con música popular dominante como el flamenco, y a pesar de que uno de sus estilos se denomina tango como el rioplatense, hoy en día las raíces son imperceptibles, aunque nadie se anima a negar el parentesco con tanto lamento y rezongo en común.

De hecho el tango alegre y saltarín del siglo XIX tenía letrillas andaluzas de mala intención y origen prostibulario como por ejemplo “Bartolo”, que dice: “Bartolo tenía una flauta, con un agujero sólo y su madre le decía, tocá la flauta Bartolo” que en Argentina se cantó como tango: “Bartolo dejó una mina, yo no la quiero dejar, porque me calza me viste y me da para morfar”.

Pero a comienzos del siglo XX llego el bandoneón y ya nada fue lo mismo.

Tangoria es un buen ejemplo de la evolución del Tango porque que son músicos profesionales que se conocieron estudiando en el Conservatorio superior de Música de Málaga. Actualmente se animan con la obra de Piazzolla en formato de trío y se destacan a pesar de lo riesgoso de la apuesta. La agrupación se formo hace dos años fruto de improvisaciones y del gusto en común por el artista argentino, figura fundamental del tango a nivel mundial y particularmente en Europa donde comenzó a hacerse grande.

Entre las diez composiciones que ejecutaron se destacan una efusiva versión de “Libertango”, también el clásico de Astor dedicado al padre “Adiós Nonino” y en los bises “Escualo”. Pero no solo de Piazzolla vive un tanguero y si bien es claro que para un argentino el tango se mama de purrete, la mayoría española de Tangoria se curtió escuchando a la “vieja guardia” y trabajando con músicos argentinos en giras europeas.

Será que el tango es música universal y tiene más futuro que pasado porque aun dándolo vueltas cae parado, y de tanto emigrar junto a la gente hasta los detractores de la “nueva guardia” se hicieron internacionales, ya que se vio a un tanguero ortodoxo anclao en Málaga, que con aire socarrón miró a la muchachada de Tangoria y pensó bajito: “maestros, tóquense un buen tango”.

Tangoria – Escualo

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MIMMA

Tangoria

Evolución del Sonido Grabado

El Tango llegó a la Argentina desde Andalucía

La díada Tango y Flamenco

Written by Gustavo Galatto

14 agosto, 2009 at 12:10 PM

Publicado en Actualidad

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CANCELADO

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cancelado

Este es el cartel que muchos festivales cuelgan en la actualidad y las organizaciones se esfuerzan por explicarlo de varias formas que se basan en la fuerza mayor, pero se sospecha que hay mala planificación, remoloneria a la hora de pagar caches y pensar en una inversión de riesgo es de neoterrorista. El Summercase, el Ciudad de Oviedo, el Daydream, el Manises Ceramic, el Ola Festival,  el Festival de Guitarra de Madrid y una nutrida selección de artistas, todos cancelados.

Menudo panorama si nos dejamos llevar por algunos sectores interesados del negocio que vaticinan las diez plagas bíblicas y olvidan rápidamente el 2008, cuando vivieron intensamente el desmadre de ofertas festivaleras con el Rock in Rio Madrid a la cabeza. Lo cierto es que la actualidad está dentro de lo previsible porque cuando el globo se hincha demasiado se hace burbuja y luego se pincha, o en el mejor de los casos decrece para adoptar la forma adecuada.

Desde hace algunos años España goza de una oferta musical destacada y la más importante a nivel festivales, ya que anualmente arriban alrededor de 60 millones de turistas en busca de sol, playa y espectáculos. Además la debacle en la venta de discos llevó el negocio de las bateas a los escenarios, y el número de conciertos por metro cuadrado trepo a cotas desmesuradas e imposibles de mantener.

El panorama es tan surrealista que hasta las discográficas están exigiendo un porcentaje de entre el 5% y el 20% de la recaudación en los shows (??) y no solo la clase baja y media del rock se vuelca a las giras en busca de facturación, grandes consagrados como Dylan dieron el año pasado más de una docena de conciertos en España y otros como Leonard Cohen que solían quedarse en casa, también se lanzaron a la carretera.

Otro factor determinante es que en muchos casos los conciertos están subvencionados por los ayuntamientos, que para las fiestas populares siempre contratan artistas y el método se multiplica por cientos en todo el país. Pero con 4 millones de parados y un 20% menos de turismo la demanda cae, los dinerillos públicos pasan por otros lados y si bien las fiestas jamás se suspenderán, se adaptan a los tiempos que corren. Los que contrataban tres figuras hoy contratan solo a una y por si fuera poco también le reducen el caché.

FIB

Archivo FIB - Oscar Tejeda

Cambia todo cambia
Es evidente que ante las circunstancias particulares que llegaron con la crisis económica y la tecnología el mercado esté en reestructuración, pero lo cierto es que la gente escucha cada vez más música, está más informada y esto se traducirá en un consumidor exigente. Los músicos tendrán que agruparse, bajar los precios, quitar intermediarios y aceptar finalmente que los formatos físicos están muertos.

El festival se ha consolidado como el lugar adecuado para el público al incluir una buena cantidad de shows a un mismo precio, algo más elevado que un concierto solista pero con mucho valor agregado, ya que se transforman en eventos sociales con multiplicidad de opciones que suman al negocio y en general, molan.

La tendencia es economizar el espectáculo, los músicos ya no podrán justificar precios altos apelando al morro y sin despliegue escenográfico. En este sentido parece ir la corriente de la autogestión de discos y giras, modelo que a Manolo García, Fito y Fitipaldis y los noveles Vetusta Morla parece darles resultado.

El mega concierto quedará para las mega estrellas tipo Madonna, U2 y pocos más. El rey del antiguo régimen, Michael Jackson, con su desaparición presagia el fin de una época, la del ídolo inalcanzable rodeado de guardaespaldas, archimillonario y envuelto en un halo de misterio y excentricidad. Aun quedan algunos y subsisten, pero a no confundirse porque son rescoldos de tiempos pasados… y peores.

Mal de muchos
A quien le sirva de consuelo la crisis no es exclusivamente musical, pasa también por el cine, dentro de poco las editoriales y particularmente se ceba con el periodismo. Todo aquello que pueda ser recreado en internet será fagocitado, ya que la web reproduce por millones y al instante para la delicia de todos aquellos que en algún momento del día jugamos el rol de consumidores culturales.

Habrá que acostumbrarse a ganar poco y a dar mucho valor agregado para sobrevivir los tiempos que corren ya que son de transición, hacia un mercado más grande, con mucha más competencia y con una mejor distribución de la ganancia…

Mientras tanto el verano continúa, los festivales afloran como champiñones, y a pesar del bajón de ventas y los esmirriados ayuntamientos muchos siguen siendo gratuitos. Tenemos, por ejemplo, los muy renombrados y exitosos FIB y Creamfields de Andalucía, el Jamón Pop, el Dolorock, el Electrosonic y una lista interminable que agobia de solo leerla y a la cual puede titularse, como al exitoso disco de Supertramp: Crisis? What Crisis?

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Los conciertos se vacían

Llegó la burbuja conciertil

¿Llega la crisis a la música en vivo?

Canción del verano con ‘c’ de ‘crisis’

La crisis obliga a los ayuntamientos a recortar el dinero para las fiestas

Festivales 2009 Mondosonoro

Festivales por la patilla

Festivales 2009 Desconcierto

Written by Gustavo Galatto

21 julio, 2009 at 5:20 PM

Gratis pero rayado

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cd_rayado

Mediante un click en el disco acceden, con Spotify instalado, a escuchar un disco rayado de Marvin Gaye

Spotify es un servicio que ofrece música en streaming, online, o sea que no hay que bajar ningún archivo a tu ordenador, solo el programa que funciona como reproductor. Su catalogo es amplio y de mantenerse puede servirte de discoteca el resto de tu vida. El servicio es muy bueno y estable. Está en periodo de prueba y solo se puede acceder  con la invitación de un miembro registrado… MENTIRA, si acceden mediante el siguiente link:

https://www.spotify.com/en/get-started/

A pesar de todo lo bueno, y no es que me moleste demasiado, pero ¿era necesario para ofrecer un servicio como este que muchos  de los temas estén picados, rayados y en algunos casos cortados? ¿Será una estrategia de negociación con los organismos que regulan los derechos de propiedad intelectual o simplemente un requisito de los mismos?  La verdad es que este defecto, mas una publicidad cada 10 canciones es lo único que opacan un poco el sistema.

Igualmente ya estamos acostumbrados a que la calidad de los sonidos grabados este en decadencia desde la “extinción” del vinilo, pero no puedo atribuirle la cantidad de cortes  a la mala calidad del streaming ¿o sí? Igualmente sostengo que el sonido es aceptable, la calidad del servicio es más que suficiente y  no me quitan el sueño las asperezas que se generan… Por el momento es recomendable.

Written by Gustavo Galatto

2 febrero, 2009 at 2:27 PM

Publicado en Tema Libre

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